Martin Provost, pouvez-vous nous parler de votre parcours sur le chemin du 7ème Art et nous dire comment vous êtes arrivé à ce métier qui est aujourd’hui le vôtre ?
D’abord un bac littéraire, que j’ai eu miraculeusement. Je rêvais d’être réalisateur. À l’époque, la FEMIS s’appelait encore l’IDEC, mon père s’était renseigné et m’a dit : « Martin, tu ne peux pas entrer à l’IDEC tu n’as pas le niveau en maths ». J’avais eu 0,5 au bac ! Je suis donc parti à Paris avec ma petite valise en me disant : « Je vais être comédien pour commencer ». J’ai eu la chance de travailler assez vite : j’ai tourné dans un premier film 6 mois après, un film de Nelly Kaplan, qui s’appelait Néa. J’écrivais déjà pour le théâtre. Ma première pièce, Le Voyage Immobile, a été montée au Studio d’Ivry, je l’ai jouée avec Yann Collette, produite par Philippe Adrien. Il montait Amphitrion et Le Médecin volant à la Comédie française : il m’a dit « Martin, est-ce que tu veux venir jouer le jeune premier dans Le Médecin volant ? ». J’ai dit oui, je suis donc entré à la Comédie Française comme pensionnaire à l’essai. C’est l’époque où le Français [comprendre Comédie Française] a connu une grande révolution : Jean-Pierre Vincent a été nommé, et il m’a engagé comme pensionnaire. J’y suis resté six ans.
Et puis quand Jean-Luc Poulain a été nommé, moi j’ai quitté tout ça. Ce fut la fin de ma vie d’acteur, qui ne me rendait pas heureux.
Où trouvez-vous votre bonheur ?
Quand j’étais au Français, j’écrivais tout le temps. J’ai écrit une autre pièce, Les Poupées, qui a été montrée à Avignon, à la Chapelle Sainte Claire et après au TEP. Mon premier roman, Aime-moi vite, est sorti à cette époque-là. J’ai fait un deuxième court-métrage joué par Catherine Jacob, Cocon, après J’ai peur du noir que j’avais moi-même produit. Et puis, j’ai écrit un premier scénario que j’ai essayé de monter en long-métrage. J’avais rencontré une comédienne espagnole, Carmen Maura, qui avait adoré le scénario et voulait à tout prix le faire. En fait, c’était un sujet très ambitieux pour l’époque : l’histoire d’un enfant qui voyait le monde dans un dessin animé… J’aurais jamais pu le réaliser. Carmen Maura m’a alors dit : « Il faut absolument que tu tournes ton premier film : je suis libre du [tant au tant] ». J’avais trois semaines : j’ai écrit Tortilla Y Cinema en trois jours, on est allé voir Canal+, ils nous ont donné un peu d’argent, et j’ai tourné le film en quinze jours. J’avais fait mon premier long !
Parallèlement, je continuais l’écriture. J’écris toujours d’ailleurs : des scénarios, des pièces pour France Culture. Un autre roman est sorti en février 2008 au Seuil : Léger, humain, pardonnable.
Entre-temps, il y a eu un autre film, Le Ventre de Juliette, sorti en 2003 à dix copies…
Qu’est-ce qui vous donnait envie, à 17 ans, de devenir réalisateur de cinéma ?
Un mot : le désir. Depuis petit, je rêve de ça. J’avais un grand-père qui faisait des films en amateur, j’ai joué mon premier film avec lui : je devais avoir 5 ans, c’était Pierre et le Loup, toute ma famille y était. J’avais un oncle aussi, ici dans la région, qui était photographe. De l’autre côté, celui de mon père, ma grand-mère, enfant, était chanteuse de rue… Voilà, il y a quand même une sorte de tradition familiale.
Séraphine, ou la consécration
On en vient à la genèse de Séraphine, né des cendres d’un autre film…
Oui, j’avais essayé de monter un film après Le Ventre de Juliette, j’avais travaillé deux ans dessus. À un moment, le film ne s’est pas monté : pas assez d’argent. Tout s’est effondré, j’étais vraiment mal. À ce moment-là, quelqu’un avec qui je travaille à France Culture m’a dit : « Martin, il faut absolument que tu t’intéresses à Séraphine, c’est pour toi. » Quand on m’a parlé de ce personnage dont je n’avais jamais entendu parler, je suis allé sur Internet. C’était il y ans 3 ans: il y avait 4-5 lignes, ça m’a suffi pour voir qu’il y avait une histoire intéressante. J’ai continué les recherches : j’ai trouvé de vieilles éditions de livres de Wilhem Udhe en français. Je suis allé à Senlis où a été transférée la salle créée en 1947 à la mort de Udhe au Musée d’Art moderne, composée de quatre tableaux extraordinaires. Et puis j’ai rencontré Françoise Cloarec, psychanalyste et peintre, qui a fait sa thèse sur Séraphine -elle vient d’ailleurs de publier La Vie rêvée de Séraphine de Senlis chez Phébus.
Et puis, surtout, j’ai pensé à Yolande [Moreau], avant même d’écrire le scénario. Le plus troublant, c’est que deux mois après, à la bibliothèque Kandinski, on m’a apporté un dessin de Séraphine fait par un voisin, le poète Leblanc : c’était Yolande ! C’était extraordinaire. Je lui ai apporté, elle est devenue blême, puis elle m’a dit : « C’est pas flatteur, mais c’est bien moi ».
Je sais que vous tenez à préciser que votre film n’est pas un biopic…
C’est vrai que je ne voulais pas faire une biographie de Séraphine, ça ne m’intéressait pas. Je cherchais un axe pour raconter cette histoire. Au prime abord, le personnage de Wilhem Udhe ne m’apparaissait pas extrêmement sympathique : il y a des zones d’ombre dans sa vie, et d’ailleurs je les ai respectées. Au fil de mes recherches, je me suis rendu compte que j’avais affaire à un personnage lui aussi totalement inconnu, très important, et un type absolument formidable. Je me suis dit : « Vraiment, c’est la rencontre entre ces deux personnes, ces deux marginalités, qui est importante pour moi». Ça avait des résonances très fortes par rapport à mon existence. C’est pourquoi j’ai décidé de raconter la rencontre entre Séraphine et Udhe sur ces deux périodes-là.
Vous semblez être très attaché à votre personnage…
Elle me fait penser à Van Gogh : le même genre de parcours, deux personnage plein d’amour qui essayent par la peinture de donner, qui n’ont pas de retour, et qui en meurent.
Diriez-vous que Séraphine Louis était folle ?
À la fin de sa vie, elle était cataloguée comme schizophrène, paranoïaque, elle était haïe, battue, par les autres malades. Mais déjà au couvent où elle est entrée à seize ans –et est restée jusqu’à l’âge de quarante ans, jusqu’au jour où, dit-elle, son ange gardien lui est apparu à la cathédrale et lui a dit de se mettre à la peinture- elle écrivait des lettres dans lesquelles elle se disait tout le temps menacée. Elle présentait des tendances paranoïaques évidentes… Mais ce que je comprends tout à fait. Quand on peint, quand on écrit, la vie n’est pas facile. Surtout pour une femme de ménage !
Elle faisait ce qu’elle appelait ses « travaux noirs » le jour, c’est-à-dire les tâches les plus ingrates, et la nuit, ce qu’elle appelait ses « travaux de lumière », c’est-à-dire qu’elle peignait. Pour en revenir à la folie de Séraphine, quand on regarde ses toiles, on voit qu’il y a un embrasement, surtout à partir du moment où Udhe lui permet d’arrêter ses « travaux noirs », et selon moi le contact avec les choses matérielles et difficiles qui la maintenaient dans la réalité, elle entre dans un épanouissement artistique très violent et se consume.
Son rapport à la nature est fondamental dans son œuvre, vous vous attachez à l’illustrer dans la vôtre…
Quand elle était petite, elle gardait les moutons et les vaches. Elle avait un rapport extrêmement proche aux animaux : elle en a beaucoup parlé quand elle était internée. C’est quelque chose qui me parle. C’est vrai qu’on a jamais su vraiment avec quoi elle peignait : avec de la laque Ripolin, elle vernissait ses tableaux avec du vernis ménager, elle volait l’huile des bougies dans les églises… Pour le reste, on dit qu’elle peignait avec son sang, ça c’est moins sûr… Donc j’ai imaginé des choses. J’ai peint un peu moi-même il y a longtemps, je peignais avec des betteraves, de l’œuf, tout ce qui me tombait sous la main, donc je sais que c’est possible. Il suffit de voir les tableaux de Barcelo. C’était tout ça que je voulais raconter à propos de la nature. Séraphine me fait penser à une Indienne : elle marchait toujours pieds nus, je crois qu’elle a capté quelque chose de l’ordre de l’esprit de la nature, quelque chose de très païen qui n’a rien à voir avec la religion. Pour moi, c’est ça qu’elle a transmis dans ses toiles. Elle a laissé libre cours à quelque chose qui l’a traversée, c’est sûr, quelque chose de l’ordre du divin…
L’épisode de la robe de mariée est visiblement le plus marquant pour le public, avec une interrogation lancinante : est-ce que c’est vrai ? Cette séquence marque une rupture dans le film, la fin de sa vie d’artiste pour Séraphine, qu’on interne dans un établissement où elle finira sa vie…
C’est vrai qu’elle avait commandé une robe de mariée, pourquoi on ne sait pas, je pense qu’elle imaginait des épousailles spirituelles… Le besoin du scénario a fait qu’on l’a lié avec un autre fait avéré : elle redistribuait tout ce qu’elle avait amassé en les déposant sur le perron des habitants de Senlis. Dans le film, elle vient de passer une nuit entière à peindre, un tableau qui s’appelle La Séraphine Bleue.
Comment avez-vous travaillé l’image pour faire ainsi ressortir les couleurs flamboyantes des tableaux ?
À la costumière et aux décorateurs, j’avais demandé qu’il n’y ait aucune couleur franche, pour que petit à petit les tableaux, qu’on a entièrement refait, ressortent. Il n’y a donc que des verts, bleus, du gris, du blanc cassé… Et puis on a cherché avec Laurent Brunet une pellicule qui pouvait accentuer cet effet-là sans tuer la couleur des tableaux. Et ça a marché !
Comment avez-vous travaillé sur le personnage de Séraphine avec Yolande Moreau ?
On avait la chance d’être voisins, on a passé beaucoup de temps ensemble, Elle vous le dirait mieux que moi : « ça s’est fait par petites touches ». On est devenu très proches et je crois que c’est ça qui a fait qu’à un moment Séraphine s’est complètement incarnée. Et puis, j’ai été comédien donc il y a quand même des trucs que je sais, j’essaie surtout de ne jamais faire souffrir un comédien, d’agir comme un père vis-à-vis de son enfant. Je lui ai montré des films : Mouchette de Bresson, Gervaise de René Clément, pour les gestes des lavandières, Last Days de Gus Van Sant, pour le rapport à la nature… Je l’ai emmenée partout, montré tous les paysages. Elle est allée d’elle-même voir le curé de Vernon pour qu’il lui apprenne les chants en latin… . Elle a pris des cours de peinture avec les peintres qui ont refait les tableaux. Elle dit que c’est rien mais c’est un travail énorme !
Le premier jour de tournage, on tâtonne toujours un peu. On venait de tourner une scène dont aucun de nous deux n’était satisfait, là je lui ai dit : « Pense à Dieu » : en un éclair, ça a été là, et c’est resté jusqu’au bout.
Du rire pour 2009 donc, et non du négationnisme refoulé. Montpellier vient en effet de nous gratifier de sa première (bonne) résolution de l’année : déprogrammer Dieudonné, trublion médiatique inintéressant, du Kawa. Une décision qui fait date, et qui inscrit la ville comme une âpre défenseur du devoir de mémoire.
